Une curation de Flavio Scaloni, Gallery Manager chez Galerie Lo Scalo – Le monochrome est un thème puissant qui réduit la peinture à ses éléments les plus purs : couleur, texture et lumière. Cette simplicité radicale inspire les artistes en concentrant le spectateur entièrement sur la présence matérielle de l’œuvre, invitant à la méditation sur la pureté, le silence et le sublime. Psychologiquement, un champ de couleur unique suscite une profonde réaction émotionnelle, dépassant le récit pour atteindre une expérience directe et viscérale. Symboliquement, il représente souvent le vide, l’infini ou la table rase (table rase). Dans l'art du XXe siècle, le monochrome est devenu une pierre angulaire, remettant en question la définition même de la peinture après 1950. La série « Qui a peur du rouge, du jaune et du bleu » de Barnett Newman (commencée en 1966) utilisait de vastes champs de couleurs pour un effet monumental. Yves Klein (dans les années 1950) est notamment célèbre pour avoir développé son pigment signature, le Bleu Klein International (IKB), créant des œuvres comme Monochrome Sans Titre (IKB 3) (1960) pour explorer l'immatérialité. Parallèlement, les « Peintures noires » d'Ad Reinhardt (1960-1966) invitaient à la contemplation silencieuse d'une forme pure, quasi invisible. La tradition se perpétue avec des artistes comme Robert Ryman, dont les peintures blanc sur blanc examinent la lumière et la surface. Cette exploration s'étend à la photographie, où l'artiste de renommée mondiale Hiroshi Sugimoto maîtrise parfaitement l'échelle monochrome.